李奕瀚给电影《给阿嬷的情书》做音乐总监。片尾字幕爬升的时候，很多观众在那掉眼泪。真正起作用的那根线藏在声轨里。他给全片定过一个规矩，音乐要做故事的配角，让观众沉浸在剧情里，不要被旋律打断情绪。这句话听着简单，做起来全是取舍。
李奕瀚的另一个身份是玩具船长乐队主唱。他的创作底色来自潮汕南澳岛的海风方言和民间曲调。他和导演蓝鸿春的合作也不是临时搭班。从《爸，我一定行的》到《带你去见我妈》，再到这部《给阿嬷的情书》，他一直在同一套方言民谣朴素叙事的管道里干活。正因如此，他接手音乐总监工作时，没把配乐当加点情绪的外挂，他从剧本阶段就进去，先判断整部片该用什么语气说话。他给的答案偏克制，两位女主角经历的变故很重，但人物走的是隐忍坚韧那条线，音乐就不能在外面替她们嚎，只能托着走。
落到执行层，克制不是偷工减料。整部片做出来二十七首原声音乐四首主题歌，对小成本体量来说，这笔音乐账很重。团队反复磨推翻重来也常见。比如《疍家之歌》就走过单独听不错贴画面不对味的弯路，最后要的仍是旋律和画面咬合，而不是各自抢戏。李奕瀚有个检验标准，把音乐贴进画面，如果自己人都被顶到情绪上，才算对路。
更妙的地方在于素材来源。片尾曲《一封侨批》的灵感来自他家里真实保存的一封侨批，旋律走婉转质朴，不靠硬煽，反而把过暹罗等家书的离别与守望拽进观众肋骨缝里。主题曲《月下煮茶》甚至不是为这部电影临时赶工的产物，它更早前就写好了，等一个合适的叙事容器，等到了蓝鸿春的样片，就被选中顶上去。这种旧歌等到位的路径，比命题作文更容易留住生活纹理，也更容易让方言歌长出跨地域的传播力。后来《月下煮茶》确实在平台与线下合唱场景里跑起来，翻唱版本跨了好几种语言与编制。
李奕瀚自己也说得直白，大家在影院落泪之前，团队在每个字每个音符每帧画面已经流过很多眼泪。但流的不是苦情，更多是反复拆自己搭的桥，写一段很好听的，放画面里一试，发现它抢戏，删。写一段更淡的，反而让戏的呼吸出来了，留。观众最后记住的往往不是某段旋律多华丽，而是阿嬷的信纸海边的暗涌以及片尾那句见信如面的余震。声轨的功劳，是让这些瞬间不被提醒地发生。
对同类创作的一个很现实的提醒也藏在这里。方言民谣在地题材的感染力，从来不是靠把乡土符号堆满声场换来的，它更依赖创作者对分寸的把控，哪一句要唱满，哪一段要留白，哪段配乐甘愿只当影子。李奕瀚把这套分寸做到了统一，音乐越往后退，阿嬷的故事越往前站。这也是为什么《给阿嬷的情书》的歌会走出电影，变成有人在琴房教室排练厅翻来覆去唱的东西。
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